Cuentos para niños y no tan niños

Los cuentos de hadas siempre han ejercido una gran fascinación sobre chicos y grandes. Los fantásticos mundos que en ellos se describen y los maravillosos personajes que viven emocionantes aventuras nos hacen soñar y creer que todo es posible. Estos cuentos siempre tienen enseñanzas y la más importante de todas es que, el bien siempre triunfa sobre el mal.

Sin importar cuánto sufra el protagonista de la historia, siempre tendrá su final feliz. Princesas, caballeros, magos, hadas madrinas, animales que hablan y objetos que cobran vida son sólo algunos de los personajes comunes en estos cuentos con los que el lector puede identificarse. Los protagonistas viven en castillos o en modestas casitas y atraviesan reinos majestuosos o bosques encantados y encuentran en su camino enemigos temibles y aliados valiosos.

A través de los cuentos de hadas los pequeños aprenden sobre el amor, la amistad y que deben luchar por sus sueños porque éstos se vuelven realidad. Hasta aquí todo está bien, resulta difícil creer que pueda encontrarse algo objetable en ellos pero, en un mundo en que todo parece estar a un paso de ser “políticamente incorrecto” ni los cuentos infantiles se salvan.

Las hermosas princesas que son rescatadas por el príncipe azul ahora son estereotipos de mujeres sumisas, sin profesiones ni deseos de superación que simplemente están a la espera de que un hombre se case con ellas. Los apuestos y valientes príncipes son hombres machistas que consideran a la mujer como mera posesión y por el simple hecho de desposarla tendrán derecho de controlar el resto de su vida.

Parece un tanto descabellado pero en realidad hay quienes consideran que los cuentos de hadas perpetúan estereotipos negativos y anticuados que no tienen cabida en el siglo XXI. Estoy de acuerdo en que las mujeres no debemos esperar a un hombre que nos rescate ni tenemos por qué aspirar sólo a casarnos y tener hijos pero el afirmar que los cuentos con los que tantas generaciones hemos crecido implantan ideas erróneas en nuestras cabezas me parece absurdo.

Conforme crecemos vamos desarrollando nuestra personalidad, definiendo convicciones y preferencias, nos apasionamos con diferentes temas y elegimos nuestro propio camino. El creer que todas las mujeres nos comportaremos cómo damiselas indefensas, por no decir inútiles, simplemente porque así son las princesas de los cuentos es darnos muy poco crédito como seres humanos.

En mi opinión, las princesas han sido juzgadas injustamente. Al igual que una adolescente hoy en día se escabulle de casa de sus padres para ir a bailar, Cenicienta se arriesgó para ir a la gran fiesta en el palacio. Blancanieves dejó su casa, dejando de lado el detalle de que tuvo que hacerlo porque su madrastra mandó asesinarla, y vivía con siete hombres sin importar lo que se pudiera pensar de ella. El espíritu aventurero de La Bella Durmiente fue lo que la hizo caer en un profundo sueño y, admitámoslo, todos hemos cometido errores, sólo que ninguno que nos haya hecho dormir durante años.

Hoy en día las adaptaciones que se han hecho de estos cuentos y personajes rescatan las características positivas y agregan otras tantas que hacen imposible tacharlos de misóginos. Programas de televisión como Once upon a time y Grimm nos muestran a mujeres y hombres en igualdad de condiciones, para bien y para mal. Caperucita y Blancanieves son algunas de las figuras femeninas de cuentos que han aparecido en la pantalla grande como mujeres fuertes y valientes que pondrían a temblar a cualquiera.

Los seres indefensos de los cuentos no son sólo mujeres, todos sabemos la historia de los hermanitos que, atraídos por una casa hecha de dulces, cayeron en las garras de una espeluznante bruja. Afortunadamente mataron a la bruja y escaparon pero nadie pudo haber imaginado que años después se convertirían en intrépidos cazadores de brujas con sofisticadas armas y asombrosas habilidades de combate que viajan de pueblo en pueblo eliminando a estas viles criaturas.

Jeremy Renner y Gemma Arterton son los protagonistas de Hansel y Gretel: Cazadores de brujas. La emocionante película que demuestra que un trauma infantil puede convertirse en una lucrativa profesión. La trama no es la más original que he visto pero las escenas de acción y la presencia de Famke Janssen justifican ir a verla al cine. Seguramente los puristas no aceptarán el giro en la historia pero los que gustan de escuchar un buen cuento de hadas quedarán satisfechos con este largometraje.

Gran ambientación, buenas actuaciones y brujas para todos los gustos son algunos de los elementos que hacen a esta película más que palomera. La clasificación advierte que no es apta para menores y quizás para alguno que otro adulto con estómago débil.

La imagen utilizada es el póster oficial de la película y es propiedad de la productora.

Agitado, no revuelto

El cine y la literatura han dado un aspecto glamoroso, emocionante e intrigante al mundo del espionaje. Imaginamos a los espías como hombres y mujeres de físicos envidiables que viajan por todo el mundo luciendo lo último de la moda mientras se codean con personas importantes. No faltan las armas sofisticadas y todo tipo de gadgets con tecnología de punta que los ayudarán a salir de cualquier percance.

Todas estas características, y algunas otras de aspecto más comercial, corresponden al prototipo de espía que vemos en el cine pero ¿cómo son los verdaderos espías? Mata Hari es una de las espías más famosas de la historia que supo utilizar su belleza, inteligencia, educación y dominio de varios idiomas para infiltrarse en ciertos círculos sin levantar sospechas. La única falla que tuvo fue convertirse en doble espía y bien dicen que el que a dos amos sirve con uno queda mal. Su labor simultánea para Francia y Alemania fue recompensada con el paredón de fusilamiento.

Seguramente las mejores historias de espías verdaderos se encuentran ocultas y difícilmente serán algún día de dominio común. Son innegablemente emocionantes los espías ficticios y las arriesgadas misiones a las que los autores los mandan pero la realidad es mucho más asombrosa, empezando por la identidad de algunos espías que sirvieron a su país.

Cuando hablamos de Charlie y la fábrica de chocolate lo último en lo que pensaríamos es en labores de espionaje para el gobierno británico. Pues bien, eso fue exactamente lo que hizo Roald Dahl antes de escribir sobre la extraña fábrica donde laboraban Oompa Loompas. Charles “Lucky” Luciano es una leyenda del crimen organizado pero pocos saben que, tras su captura, hizo un trato con el gobierno norteamericano y ayudó a arrestar a ocho espías alemanes.

Antes de que Julia Child descubriera su pasión por la cocina francesa trabajó para la Oficina de Servicios Estratégicos de E.U.A., organismo precursor de la CIA. La receta que creó para ayudar a su país fue para un repelente de tiburones que los mantuviera alejados de las minas submarinas. También se le asignaron misiones de campo con cierto grado de peligrosidad. Se rumora que el gran escapista, Harry Houdini, fue contratado por el Servicio Secreto Americano y por Scotland Yard para utilizar sus habilidades e infiltrarse en ciertas estaciones de policía y obtener información.

Ian Fleming, el creador de James Bond, tuvo material de sobra para inspirarse al trabajar para la Inteligencia Británica Naval. Aunque su trabajo era de escritorio, su ingenio para idear complejas tramas de espionaje lo convirtieron en un elemento valioso para la agencia. Años más tarde colaboró con E.U.A. para crear una organización dedicada a servicios de inteligencia internacional. Tuvo la oportunidad de presenciar a los operativos británicos escabulléndose en la oficina del Consulado General Japonés donde abrieron la caja fuerte y sacaron copias de los códigos secretos.

Este suceso inspiró a Fleming para la misión de Bond en la primera entrega de la saga 007, Casino Royale. El carismático personaje compartía una gran cantidad de características con su creador. James Bond no tardó en ganar popularidad y convertirse en una lucrativa franquicia. Libros, cómics, programas de radio y televisión, videojuegos y películas, El agente 007 es un personaje atemporal básico en la cultura pop.

En lo personal, considero que Sean Connery ha sido el mejor Bond en cine aunque Roger Moore no decepcionó. Hay muchos otros actores que han encarnado a Bond pero han pasado sin pena ni gloria, algunos con más pena. Cuando Daniel Craig fue elegido como el seductor espía que completa sus misiones sin perder el estilo muchos estuvieron en desacuerdo. Quizás era difícil aceptar a un Bond con cabello rubio que en lugar de tener una personalidad magnética parecía arrogante y seco.

Craig demostró que las críticas se equivocaron al lograr que las tres últimas entregas 007 fueran éxitos de taquilla. Skyfall, la más reciente, es la que más ha recabado de toda la serie. Esta película nos recuerda por qué amamos a Bond, por qué los hombres quieren ser cómo él y las mujeres queremos estar con él. Skyfall tiene un innegable toque de nostalgia que nos lleva a los inicios de la saga, al Bond que trabaja mejor bajo presión.

Por momentos la trama parece divagar pero al ver el desenlace queda claro que todo está justificado. A diferencia de otras películas de Bond, los lugares exóticos y las mujeres hermosas no son parte importante de esta entrega. La película transcurre en su mayoría en Gran Bretaña y el peligro y la acción se centran en Bond y M. Definitivamente, una de las mejores películas de la franquicia con Daniel Craig que he visto. Skyfall marca claramente el regreso del clásico Bond... James Bond.

La imagen utilizada es el póster oficial de la película y es propiedad de la productora.

Más emocionante que la realidad

Las películas nos emocionan, nos cautivan, nos hacen reír o llorar. No importa si la película es buena o mala, vieja o nueva, todas provocan sentimientos y evocan recuerdos y eso es precisamente lo que hace que nos gusten o no. Hay películas que son placeres culposos y no necesitamos aprender de ellas, ni siquiera que sean realistas o que estén bien hechas, mientras nos entretengan cumplen con su cometido.

Este es el caso de una gran cantidad de películas basadas en hechos reales que, una vez terminado el proyecto, parece quedar poco de la historia original. No me refiero sólo a que los protagonistas son indiscutiblemente más atractivos que las personas que realmente vivieron lo sucedido sino a que muchos hechos son manipulados para hacerlos más emocionantes de lo que fueron.

En Una mente brillante se crearon personajes e historias alternas para explicar al público la esquizofrenia de John Nash, interpretado por Russell Crowe, sin mencionar sus alucines sobre extraterrestres y su complejo Mesiánico. También evitaron mencionar al hijo fuera de matrimonio y la época en que intentó renunciar a su ciudadanía norteamericana. Los escritores se tomaron licencias creativas para crear un personaje más agradable para el público.

Dudo mucho que los desafortunados hombres a bordo del Andrea Gail se parecieran a George Clooney y a Mark Wahlberg en La Tormenta Perfecta. Ese no sería el mayor problema con esta película sino el hecho de que en realidad no se sabe a ciencia cierta qué sucedió. Así que todas las aventuras que nos muestran la valentía, la camaradería y sentimentalismo en cada escena antes de que el barco se perdiera es pura especulación.

Recordando a los Titanes es una gran película estelarizada por Denzel Washington que narra el inspirador triunfo de un equipo de futbol americano que debe enfrentarse a la discriminación racial de principios de los setenta. Lo que sucedió realmente es conmovedor y digno de reconocimiento pero fue mucho menos dramático e intenso que lo que vemos en pantalla.

Una de las películas más recientes en llevar una historia real a la pantalla grande es Argo, protagonizada y dirigida por Ben Affleck. Esta cinta narra la asombrosa pero verídica historia del rescate de seis diplomáticos norteamericanos de Irán durante la crisis de rehenes de 1979. La película comienza a manera de documental explicando la situación política y las circunstancias que culminaron en la toma de la embajada norteamericana y el peligro que corrían los refugiados.

El tema por sí solo es provocador y dramático, es fácil imaginar la tensión que se vivió entre los agentes de la CIA intentando crear un plan para rescatarlos y el gran riesgo que corrieron los diplomáticos canadienses que los albergaron clandestinamente. Por supuesto que los escritores no encontraron la historia suficientemente intensa y no tardaron en agregar varios detalles que, de haber sucedido, habrían ocasionado un infarto a más de uno.

No importa si Argo contiene una que otra referencia errónea o personajes o pasajes que nunca sucedieron. El resultado es una emocionante película que nos hace vivir la angustia y la incertidumbre que los involucrados en el plan de rescate, incluyendo a los rehenes, debieron haber vivido. La idea que se les ocurrió era una verdadera locura y precisamente por eso funcionó.

Resulta inverosímil que se haya aprobado el plan de crear un proyecto cinematográfico falso, respaldarlo con un guión existente, promocionarla y conseguir los permisos necesarios para viajar a Irán en busca de locaciones bajo identidades falsas. Afortunadamente siempre habrá personas que confíen en las locuras de los demás y gracias a ello los rehenes salieron de Irán sin ser detectados.

No importa que hayan adornado el guión para hacerlo más dramático, fue un acierto y Ben Affleck hizo un gran trabajo. Esta película hará que muchos, incluyéndome, empiecen a tomar en serio a Affleck y esperen con ansias su nuevo proyecto. Les recomiendo que no se pierdan Argo, no en vano tiene siete nominaciones al Oscar y a los Premios Bafta y hasta el momento ha ganado varios premios incluyendo mejor director, película y reparto.

La imagen utilizada es el póster oficial de la película y es propiedad de la productora.

Una revelación nada sorprendente

No recuerdo cuál fue la primera película de terror que vi, de lo único que estoy segura es que la sufrí más que disfrutarla ya que pasé gran parte de mi infancia temiendo a la oscuridad gracias a este género. Pero la curiosidad, o quizás el morbo, me llevaban a seguir viendo este tipo de largometrajes y comencé a tomarle el gusto a pasar un par de horas asustada frente a la pantalla. Ahora soy una devota fan del género, desde los clásicos hasta las nuevas propuestas que buscan hacer aún más terroríficas este tipo de películas.

Para continuar capitalizando con el éxito de las películas de todos los géneros es común que se adapten a videojuegos pero algunas transiciones son más fáciles que otras. Las limitaciones de programación y gráficos de las primeras consolas no eran tan graves al momento de adaptar una película infantil o de acción pero las de terror era algo completamente diferente. Era difícil sentirse atemorizado por un ser pixelado que parecía dar pequeños saltos más que correr tras nosotros.

Pasé horas jugando Pesadilla en la calle del infierno en Nintendo y a pesar de los gráficos la propuesta fue muy buena, fue grandioso manejar a un personaje que debía evitar quedarse dormido y caer en las garras de Freddy Krueger pero nunca me sentí realmente asustada. Poco a poco se fueron perfeccionando los gráficos logrando un realismo asombroso y la complejidad de los juegos atrajo a un público más adulto.

No pasó mucho tiempo antes de que los videojuegos no necesitaran de los últimos éxitos en taquilla para crear franquicias exitosas y comenzaron a ganar terreno por derecho propio creando historias interesantes y novedosas. Las de terror no fueron la excepción y uno de los mejores videojuegos de este género es sin duda Silent Hill. La primera vez que lo jugué no creí que un videojuego pudiera ponerme nerviosa pero la sensación de soledad e incertidumbre que nos inunda desde un principio va preparando el terreno para unos buenos sobresaltos.

Conforme avanzaba en el juego no sabía si considerar a sus creadores unos genios o unos dementes. El terror está presente en cada segundo del juego, los enemigos que parecen salidos de nuestras peores pesadillas y los aterradores escenarios son inquietantes. A pesar de la angustia y el nerviosismo no podemos dejar de jugar porque queremos descifrar las pistas y, claro está, que nuestro personaje salga de Silent Hill sano y salvo.

Era sólo cuestión de tiempo para que el brillante terror psicológico que esta franquicia maneja fuera llevado a la pantalla grande. Hollywood ha realizado varias adaptaciones de videojuegos a largometrajes, con resultados desastrosos en su mayoría, así que parecía bastante remoto el que se atrevieran a intentarlo con un videojuego con una trama tan compleja y nada comercial como Silent Hill. La película se estrenó en 2006 con resultados bastante predecibles, los que no conocían el videojuego salieron de la sala de cine razonablemente asustados y quizás un tanto desconcertados. Los que somos fans nos sentimos un tanto defraudados ya que la sensación de temor constante de los videojuegos es infinitamente superior al de la película.

Aún así, debo admitir que no fue tan mala como esperaba ya que respetaron la idea original pero tuvieron que bajarla bastante de tono para hacerla más apta para el público. A pesar del éxito moderado de esta película hicieron una segunda parte que, a diferencia de los videojuegos, es una continuación directa de la primera entrega que desafortunadamente nos recuerda al dicho: las segundas partes nunca fueron buenas.

La primera entrega se acercó al videojuego pero Silent Hill Revelation pareciera que ni siquiera lo intentó. Los seres monstruosos que habitan en el misterioso pueblo estuvieron presentes pero nunca hubo un momento en el que realmente sintiéramos que la protagonista estaba en peligro. La desesperación, el terror y la soledad se perdieron por completo al saturar de personajes cada escena.

Si en la primera película se cambiaron ciertos aspectos de la historia para hacerla más aceptable en Revelation es más que obvio el esfuerzo por lograr una clasificación que incluyera a un público más joven. La maldad y sadismo de los personajes se pierde en medio de explicaciones innecesarias e incluso los seres aterradores no parecen esforzarse mucho por crear una atmósfera de miedo.

A pesar de todo Silent Hill Revelation logra su cometido al asustar a gran parte del público. Fui testigo de esto cuando los pre-adolescentes que se sentaron frente a mí, acompañados por su madre, decidieron abandonar la sala después de sólo 10 minutos de película dejando atrás a sus hermanos mayores argumentando que “ya no querían verla”.

Quizás este tipo de reacciones sean lo más rescatable de la película. La temática y las criaturas espantosas de Silent Hill provocarán siempre opiniones encontradas pero después de dos largometrajes prefiero quedarme con los videojuegos. La película tuvo un final muy abierto así que no me sorprendería que ya se esté planeando una tercera parte y ahí estaré nuevamente quizás recordando el dicho: la tercera es la vencida.

La imagen utilizada es el póster oficial de la película y es propiedad de la productora.

La amarás o la odiarás

El que una película reciba excelentes críticas puede resultar una invitación al público a verla, dependiendo de quién emita la crítica y qué aspecto de la cinta es lo que se recomienda. ¿Cuántas veces hemos visto que el Oscar a la mejor película se lo lleva un largometraje que nos resultó tedioso o quizás deprimente? ¿qué hay de aquella película que tanto nos gustó y que ni siquiera fue nominada?

En lo personal, nunca tomo en serio las nominaciones de la Academia, creo que ni artistas ni directores debieran sentirse relegados al ser excluidos del supuesto honor. La entrega de los Oscar parece más un concurso de popularidad que un reconocimiento a la calidad y al talento. La Revista Times realizó una investigación acerca de la Academia de Cinematografía y reveló que la edad promedio de sus miembros es de 62 años y sólo el 14% del total son menores de 50 años. Menos del 4% son latinos o negros.

Con esto no se quiere decir que las personas de mayor edad no tengan el criterio suficiente para reconocer lo más destacado del mundo del cine pero es innegable que ellos no son el mercado meta, en otras palabras, la mayoría de los largometrajes están dirigidas al asistente promedio que deja grandes derramas económicas en taquilla y los cincuentones no entran en esa categoría.

Confío más en las críticas y reconocimientos de The Golden Globe Awards, The Toronto Film Festival y El Festival de Cannes entre otros. Estos son tan sólo unos cuantos de los muchos foros y premios que son tomados más en serio que los premios de la Academia por poseer una visión más vanguardista, abierta e imparcial para juzgar el valor artístico de los largometrajes y sus realizadores. De igual manera no les asusta el dar oportunidad a nuevos talentos y atreverse a incluir cintas y actores que son ignorados en otras ceremonias.

Hay muchas razones para ir al cine, ya sea porque seamos fans de una franquicia, de un actor o de un género o simplemente porque vimos unos cortos que nos resultaron interesantes. Es mejor confiar en las recomendaciones de amigos y familiares con gustos similares que en las críticas de desconocidos con criterio sobrevaluado y credenciales compradas que pueden llevarnos a pasar dos horas lamentando la pérdida del dinero pagado por el boleto de entrada.

Es bastante común que las películas altamente elogiadas también sean las que peores críticas reciben. Los Razzies, premios a lo peor de Hollywood, no se tientan el corazón a la hora de nominar películas que estén compitiendo por el Oscar. Lo mejor es hacer caso omiso de todas estas nominaciones y ver las películas que queramos y emitir nuestro propio juicio.

Eso es precisamente lo que me sucedió con Cloud Atlas, el drama de ciencia ficción adaptado de la novela de David Mitchell llevada al cine por Lana y Andy Wachowsky y Tom Tykwer. Este filme tuvo problemas financieros desde el principio pero logró concretarse con diversos apoyos que lo convirtieron en uno de los filmes independientes más caros de todos los tiempos.

Con actores como Tom Hanks, Halle Berry, Hugo Weaving, Susan Sarandon y Hugh Grant entre otros, es difícil creer que esta película haya sido destrozada por la crítica por un lado y por otro haya recibido una ovación de pie durante 10 minutos en el Toronto International Film Festival así como una buena cantidad de elogios de revistas especializadas y críticos reconocidos. Al saber que había provocado críticas tan contradictorias supe que debía verla.

Cloud Atlas nos muestra seis historias situadas en épocas diferentes sin ninguna relación aparente entre ellas que lleva al espectador a comprender poco a poco la conexión en la trama. Cada actor tiene un papel en cada historia y podemos verlos interpretando lo mismo al héroe que al enemigo o a un hombre o a una mujer. La caracterización en cada interpretación es impecable al igual que las actuaciones. La fotografía es impresionante y la ambientación nos transporta de una época a otra de un segundo a otro. Desde el Océano Pacífico durante la Fiebre del Oro, pasando por San Francisco en los setentas y Corea en 2144 hasta un post-apocalíptico Hawai.

Este largometraje no es para aquellos que gusten de filmes lineales que no dejen nada a la interpretación, tampoco para aquellos que no toleren estar sentados mucho tiempo ya que la película dura 171 minutos aunque la historia es tan interesante y las escenas de acción están tan bien hechas que ni se sienten.

Cloud Atlas es una propuesta interesante que dejará a muchos con más preguntas que respuestas pero definitivamente es un largometraje que con el tiempo se convertirá en cine de culto no sólo por el mensaje sino por ser innovadora y visualmente cautivadora.

La imagen utilizada es el póster oficial de la película y es propiedad de la productora.

Manda a los vampiros de vacaciones

Es vergonzoso pero hoy en día es prácticamente imposible hablar de literatura de vampiros sin mencionar Crepúsculo. Bastó un poco de suerte, una campaña de medios masivos y miles de adolescentes ávidas por una figura masculina que las hiciera soñar para crear un fenómeno de la cultura pop que trivializó a los vampiros y retrasó el movimiento feminista varias décadas.

Es innegable que la insípida pareja conformada por Bella y Edward generó ganancias millonarias pero eso no significa que los libros sean dignos representantes de la literatura vampírica. Incluso su autora, Stephenie Meyer, ha dicho en repetidas ocasiones que no era fanática del género y ni siquiera realizó ninguna investigación para sus personajes. Eso explica muchas cosas pero no debería enorgullecerse de ello.

Polidori, Le Fanu y Bram Stoker seguramente estarían decepcionados de ver que aquellas majestuosas, terroríficas y seductoras criaturas de la noche han sido convertidas en jovencitos que brillan con el sol que, a pesar de haber vivido cientos de años, aún no desarrollan una personalidad. No digo que los vampiros sólo deban aparecer en la literatura cómo seres malignos y matar a diestra y siniestra. No necesariamente se les debe representar cómo seres perversos.

Hay muchos autores contemporáneos que han creado vampiros más apegados al folclor que cautivan sin desvirtuar la figura mítica del chupasangre. El más claro ejemplo es la autora Anne Rice que logró renovar el interés en el género en los setentas con su libro Entrevista con el vampiro y en los noventas con la adaptación a cine. Sus vampiros son criaturas complejas con historias fascinantes. Todos poseen fuertes personalidades y seducen sin que luzca forzado.

Los vampiros de Anne Rice no se preocupan por seducir adolescentes que aún van a la escuela y que sienten que sus padres no los comprenden ¿por qué hacerlo? Ellos han viajado por todo el mundo, se han cultivado, aprecian lo más fino de la vida y se han codeado con personas importantes. Sería absurdo que perdieran el tiempo con dramas de angustia adolescente. Las tramas de Rice se sitúan en lugares llenos de historia y sus personajes son fascinantes sin necesidad de describir lo guapos que son página tras página.

Rice se ha dado a conocer por sus Crónicas Vampíricas pero ha creado todo tipo de personajes desde brujas hasta ángeles y su poético estilo literario hace de cada uno de sus libros una verdadera joya. Es por eso que no dudé en comprar su libro más reciente, ni siquiera tuve que leer la sinopsis, con sólo ver el nombre Anne Rice en la portada lo adquirí.

Me emocionó ver que en esta ocasión Rice nos traía una historia sobre hombres lobos. The Wolf Gift narra la historia de Reuben, un joven reportero que tras un suceso violento y devastador descubre que una extraña transformación se apodera de su cuerpo. Reuben se rehúsa a creer lo que está sucediendo pero cuando no hay otra explicación posible finalmente admite que se ha convertido en un hombre lobo.

A pesar de que Rice ha negado enfáticamente que este libro marque su regreso a la literatura sobrenatural es claro que The Wolf Gift nos trae a la Rice de antaño, a aquella cuyo protagonista es atractivo, culto, de reflexiones profundas y lleno de contradicciones. Desde un principio se presiente la aparición de personajes intensos, experimentados y seductores que tomarán al joven Reuben de la mano y lo guiarán en su nueva vida.

Los vampiros aún son mis favoritos y sigo encontrándolos más atrayentes que los hombres lobo. Quizás sea culpa de Hollywood que nos ha mostrado vampiros como Brad Pitt, David Boreanaz, Ian Somerhalder y Alexander Skarsgard. No ayuda mucho que como hombres lobo nos hayan traído a Michael J. Fox, Jack Nicholson y Benicio del Toro, todos ellos actores que no se caracterizan por ser muy agraciados físicamente. Pero no todo está perdido, True Blood nos ha dado el mejor hombre lobo de todos, el guapísimo Joe Manganiello.

Ignoro si Anne Rice ha renunciado a escribir sobre vampiros y se dedicará ahora a crear un nuevo mundo de licántropos para deleite de sus fans. Si hay alguien que puede crear hombres lobos sensuales e interesantes es ella. No hay anuncio oficial de continuación de este libro pero definitivamente espero que The Wolf Gift sea el primero de una deliciosa saga de hombres lobo con los tintes clásicos que Rice acostumbra dar a sus obras.

La imagen utilizada es propiedad de la Editorial.

Un idioma universal

Con el avance de la tecnología y el desarrollo de nuevas técnicas de comunicación cualquiera podría pensar que hoy en día es más fácil transmitir nuestras ideas y llegar a más personas. En cuestiones de alcance y rapidez esto es cierto pero se nos olvida que no sólo por tener más medios de comunicación a nuestra disposición vamos a transmitir mejor nuestros pensamientos.

En esta nueva era de la comunicación ni siquiera es necesario salir de nuestras casas para hablar con alguien, incluso hay quiénes se comunican de una habitación a otra por medio de celulares o internet. En teoría es algo práctico ya que ahorra tiempo y esfuerzo pero también nos roba del acercamiento que debiéramos tener con otras personas. Hace impersonal la interacción y pone en desuso las habilidades sociales básicas que los padres solían enseñar a sus hijos hasta el siglo pasado.

Muchos niños nunca han marcado un teléfono de casa y, tras saludar cortésmente al adulto que contesta, preguntan si su amigo se encuentra disponible para contestar. La creciente cantidad de pequeños que poseen su propio celular ha convertido esta costumbre en algo impensable, los niños se marcan directamente a sus números personales sin tener que lidiar con intermediarios.

Hay personas que tienen romances, discusiones y rompimientos a través de las redes sociales sin siquiera llegar a conocerse físicamente. Antes los amigos se reunían después del trabajo para unos tragos y ponerse al corriente de lo sucedido en sus vidas, ahora se encuentran en Facebook y se buscan en tags en las fotos de sus conocidos. Esa manera de mantenerse en contacto está bien para amigos y familiares que se encuentran separados por distancias considerables pero muchos lo hacen incluso aunque vivan en la misma ciudad.

La belleza de la comunicación no sólo reside en la transmisión de ideas sino en el conocimiento de las personas y las situaciones al estar en presencia del transmisor. Es bien sabido que la mayoría de la comunicación no es verbal, cuando hablamos con alguien no se trata sólo de oír lo que dice sino de escuchar realmente lo que expresa, ver sus actitudes y sentir sus convicciones. Una mirada, una sonrisa, el jugueteo de sus manos, todo esto puede decirnos más de una persona que las palabras que salen de su boca.

La música es un idioma universal, una melodía puede transportarnos a una época y lugar específico, puede tocarnos en nuestras fibras más sensibles y hacernos comprender el sentimiento con el que fue creada. De igual manera, el baile cuenta historias completas sin necesidad de palabras. Los bailarines parecen dejarse poseer por la música para transmitir un mensaje con sus pasos. Un movimiento bien ejecutado puede conmovernos hasta las lágrimas o llenarnos de alegría.

Siudy Garrido, la bailarina venezolana, es una extraordinaria combinación de talento y pasión que logra conmover a los espectadores no sólo por su técnica sino por el sentimiento que transmite con sus movimientos. Siudy Entre Mundos es el maravilloso espectáculo que conquistó Broadway y basta con sólo unos segundos de la asombrosa interpretación de Garrido para comprender el éxito que ha tenido.

Esta historia de amor situada en un mundo futurista nos muestra a dos tribus muy diferentes con un fin en común. La fusión de baile flamenco y ritmos urbanos resulta en una emocionante explosión visual acompañada de peculiares percusiones y guitarra clásica que no dejará indiferente a ningún espectador.

Las electrizantes coreografías nos cuentan la historia de principio a fin transmitiendo a la perfección la intensidad y la pasión de los personajes con el movimiento de sus cuerpos. Siudy Entre mundos cautivará a toda una nueva generación de admiradores del baile flamenco y convencerá incluso hasta al más escéptico. Desde la cautivadora voz de Joaquín Gómez hasta las impecables ejecuciones de baile, queda claro que las 50 presentaciones vendidas en su totalidad en Broadway fueron bien merecidas.

El rítmico zapateo sobre la tarima, la intensidad de los movimientos y el sentimiento de Garrido no sólo nos dejan queriendo más sino que hacen que resulte imposible no aplaudir de pie al final del espectáculo.

La imagen utilizada es propiedad de la productora.